Dance

Unit: DN115

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questa materia esamina la danza quale fenomeno artistico e sociale, connettendo l’evoluzione dei linguaggi coreutici alle trasformazioni storiche e alle dinamiche del panorama performativo contemporaneo. Attraverso lo studio di stili, figure di riferimento e processi di ricezione, il percorso indaga il dialogo tra la disciplina e i contesti politici e mediatici, fornendo allo studente una solida struttura critico-contestuale indispensabile per orientare con consapevolezza sia la pratica sia la progettazione creativa.

ESSENTIAL CONTENT

• conoscenza contestuale
• influenze contestuali: sociali, tendenze demografiche e aspettative del pubblico
• rappresentazione nel teatro e nel cinema
  media, cultura ed espressione sociale
• tradizioni, contesti spirituali e religiosi
• evoluzione dei linguaggi e delle pratiche di rappresentazione
• influenze tecnologiche: nuove tecnologie, AI, performance virtuali
• influenze economiche e impatto della globalizzazione
• impatto di finanziamenti, sovvenzioni ed eventi mondiali nel settore
• influenze politiche: censura, libertà di espressione, danza come affermazione politica, diversità e rappresentazione, governo e diritto
• influenze geografiche: variazioni di stili e tecniche, teatro regionale / nazionale / internazionale, cinema e altri media, touring, sensibilità culturale
• sviluppi storici nella danza
• sviluppi storici e sociali che hanno plasmato i differenti generi
• coreografi e performer significativi
• pietre miliari, movimenti, stili e tendenze in teatro, cinema, televisione e animazione
• discipline: performance dal vivo, produzioni registrate, panoramica dei generi
• teorie e principi culturali per l’interpretazione della disciplina
• influenze globali, sociologia, politica, cultura, tradizione
• teoria del pubblico, rappresentazione, scopo, genere, relazione tra stile e pubblico, accuratezza e costruzione di connessioni
  

LEARNING OUTCOMES

• analizzare i principali sviluppi storici, culturali e sociali che hanno influenzato la danza e i suoi generi;
• collegare opere, artisti e movimenti coreutici ai rispettivi contesti politici, geografici e mediali;
• interpretare criticamente il rapporto tra danza, rappresentazione e pubblico in differenti contesti performativi;
• utilizzare riferimenti storici e teorici per sostenere una lettura argomentata della pratica coreutica contemporanea.

Unit: DN116

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questa materia accompagna lo studente nella definizione di un’identità professionale solida e consapevole, fornendo le chiavi di lettura necessarie per orientarsi con autonomia nell’industria della danza. Attraverso l’approfondimento delle dinamiche del lavoro freelance, dell’etica professionale e degli strumenti di accesso al mercato, gli studenti acquisiranno una visione strategica e sostenibile della propria carriera. L’obiettivo è formare professionisti capaci di coniugare il talento artistico con efficaci pratiche di gestione personale, imparando a interpretare criticamente le opportunità e i vincoli del settore coreutico contemporaneo.

ESSENTIAL CONTENT

• pratica professionale contemporanea nella disciplina
• struttura della workforce e dell’industria creativa: theatre, touring, cruises, TV/film, education
• ruoli creativi, di produzione, management, tecnici e di supporto
• lavoro nell’education
• ruoli per salute e benessere
• etica professionale, organismi regolatori, tutela di pubblici vulnerabili, stakeholder e performer
• AI: diritti, responsabilità, titolarità dei contenuti e aspetti morali
  copyright, intellectual property, accessibilità e protected characteristics
• uguaglianza, diversità e rappresentazione
• sostenibilità come principio di pratica professionale
• ottenere lavoro creativo: personal brand, audizioni, agenzie, management companies, social media, creazione contenuti, lettere di candidatura, personal statements, CV, portfolio, showcase, competitions
• definizione dei compensi, tariffe professionali e consapevolezza dello sfruttamento
• occupabilità e lavoro freelance: fatturazione, tassazione, budgeting, grant sources, contratti, normativa legale e finanziaria, networking, agenzie, occupazione internazionale, funding
• feedback, riflessione e analisi critica nell’industria della danza
• gestione personale: time management, financial management, comportamenti online, autopromozione, workplace behaviour, formazione continua
• pratica riflessiva e apprendimento permanente: tecnologie in evoluzione, trend e piattaforme, legislazione e regolamentazioni del settore, EDI

LEARNING OUTCOMES

• identificare i principali ruoli, contesti occupazionali e modalità di accesso al lavoro nell’industria della danza;
• predisporre strumenti professionali coerenti con il proprio profilo artistico, inclusi CV, portfolio e piano di sviluppo di carriera;
• applicare principi di etica, responsabilità professionale e tutela del lavoratore nelle diverse situazioni operative;
• valutare in modo realistico opportunità, vincoli economici e strategie di sostenibilità della carriera artistica.

Unit: DN117

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questo modulo esplora le potenzialità della comunicazione digitale per la valorizzazione dell’artista e dei progetti relativi alla danza, fornendo le competenze necessarie a definire una presenza online professionale e coerente con la propria identità. L’insegnamento analizza il legame tra immagine, branding e partecipazione del pubblico, guidando lo studente nella creazione di contenuti strategici e nell’uso consapevole dei social media come strumenti di networking. Integrando teoria e pratica dell’autopromozione, il percorso abilita i futuri professionisti a navigare il mercato performativo, trasformando la visibilità digitale in un’estensione autentica della propria progettualità artistica.

ESSENTIAL CONTENT

• marketing e promozione: piattaforme online e relazione con l’autopromozione
• ricerca di mercato: preferenze del pubblico e concorrenza
• ricerca sui pubblici: fasce d’età, background culturale, abitudini di consumo dei media
• comunicazione con pubblici diversi
• pubblici: datori di lavoro, pubblico live, pubblico registrato, committenza, settore, sponsorship, audience demografico
• social media: piattaforme attuali, messaggistica, rischi e innovazioni dell’AI
• immagine e brand
• presentazione digitale del proprio lavoro
• finalità comunicative: audience engagement, promozione, audizione, idee e progresso, lavoro collaborativo, ricerca
• presentazione: formati visuali, fotografici, video, interactive; chiarezza di concept e scopo; gestione del tempo; professional etiquette
• presentation skills: audience engagement, immagine, fisicità, articolazione ed eloquenza, sicurezza, comunicazione efficace delle idee
• caratteristiche degli esiti: mood, stile, atmosfera, messaggio, impatto, timing, relazione con il brief, pubblico e interpretazione del pubblico
• presenza sui social media e creazione di contenuti per l’accesso al lavoro creativo
• social media e molestie online come aspetto di benessere e sicurezza professionale

LEARNING OUTCOMES

• progettare una strategia di comunicazione digitale coerente con il proprio posizionamento artistico;
  realizzare contenuti digitali efficaci per promozione, audience engagement e presentazione professionale;
  analizzare pubblici, piattaforme e dati di interazione per migliorare la visibilità di un progetto di danza;
  gestire in modo consapevole la propria presenza online, tenendo conto di etica, immagine e rischi connessi all’ambiente digitale.

Unit: MU108

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Materia teorico/pratica che fornisce le basi metodologiche per documentare il processo creativo, integrando la ricerca e la scrittura accademica nella genesi del progetto finale. Attraverso lo sviluppo di competenze analitiche e la valutazione critica delle fonti, lo studente impara a strutturare il proprio pensiero in modo rigoroso, trasformando la riflessione teorica in un supporto fondamentale alla pratica artistica. Gli studenti impareranno a formulare domande di ricerca, reperire fonti primarie e secondarie valutandone l’attendibilità, redigere report critici. L’obiettivo è integrare il pensiero analitico con la pratica artistica, collegando la riflessione teorica al proprio percorso creativo.

ESSENTIAL CONTENT

• generazione e sviluppo delle idee
• processo creativo
• ricerca di ruoli, lavori e contratti mediante risorse appropriate
• etica della ricerca
• uso corretto di riferimenti e fonti
• responsabilità e rappresentazione
• metodologie di ricerca e analisi
• ricerca primaria
• ricerca secondaria
• ricerca di mercato
• ricerca tematica
• studio dei pubblici
• metodi di raccolta dati: focus group, osservazione, intervista
• bibliografia, riferimenti e citazione
• validità, affidabilità, credibilità, autenticità
• bias della ricerca, prospettive diverse, superamento degli stereotipi
• dati quantitativi e qualitativi
• fonti autorevoli
• copyright e titolarità
• processi creativi
• pratica riflessiva: modelli di riflessione, obiettivi di crescita,
• affinamento delle idee, intenzioni creative, strategia estetica
• processi di documentazione: diari, vlog, blog, app, riprese di lezioni, prove e performance

LEARNING OUTCOMES

• applicare metodi di ricerca appropriati all’analisi della pratica della danza e dei suoi contesti;
• selezionare, valutare e citare fonti primarie e secondarie in modo corretto ed eticamente fondato;
• utilizzare dati qualitativi e quantitativi per sostenere decisioni artistiche, organizzative o progettuali;
• documentare e riflettere criticamente sul proprio processo di indagine e sulla sua incidenza sulla pratica.

Unit: DN118

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Il corso consolida le basi tecnico-accademiche del balletto attraverso un percorso progressivo focalizzato sull’integrazione di precisione, allineamento e coordinazione dinamica. Attraverso lo studio metodico alla sbarra e al centro, gli studenti approfondiscono la relazione tra rigore tecnico, musicalità e resa performativa, assimilando un vocabolario classico solido e strutturato. Tale preparazione non rappresenta solo un traguardo tecnico, ma costituisce il presupposto essenziale per affrontare con consapevolezza il repertorio e garantire l’eccellenza nel complessivo sviluppo professionale del danzatore.

ESSENTIAL CONTENT

• Ballet alla sbarra: demi e grand pliés, tendus, glissés, rond de jambe, battement fondu, grand battement, développés, stretch
• Ballet al centro: ports de bras, adage, pirouettes, petit allegro, allegro, grand allegro
• integrazione di musicalità e artistry nel genere
• interpretazione della performance
• esplorazione e applicazione dello stile appropriato
• creazione di energia dinamica nella performance
• comprensione delle caratteristiche di un ruolo, ove richiesto
• comunicazione intenzionale nella performance
• requisiti generali di tecnica: ripetizione del movimento, interpretazione dell’istruzione, abilità visive, pratica mentale, costruzione della base tecnica

LEARNING OUTCOMES

• eseguire il vocabolario fondamentale del balletto alla sbarra e al centro con corretto placement e coordinazione;
• applicare musicalità, fraseggio e qualità stilistica all’esecuzione di combinazioni classiche;
• dimostrare controllo dinamico, precisione tecnica e consapevolezza scenica nel repertorio di base;
• riflettere sul proprio sviluppo tecnico individuando priorità di miglioramento e strategie di studio.

Unit: DN119

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questo corso accompagna lo studente nell’esplorazione della danza contemporanea intesa come sintesi di rigore tecnico, ricerca espressiva e potenziale creativo, valorizzando la pluralità di approcci che ne definisce la pratica attuale. Attraverso un percorso di acquisizione fisica del movimento fondato su principi di peso, dinamica, rilascio, articolazione e intenzionalità, il modulo integra la perizia tecnica con una profonda consapevolezza performativa. L’attività didattica spazia tra floor work, center work e travelling combinations, includendo l’improvvisazione, lo studio del repertorio e le pratiche di dance-making per favorire lo sviluppo di una versatilità interpretativa e una spiccata attitudine ad interpretare il movimento in chiave contemporanea.

ESSENTIAL CONTENT

• panoramica della pratica e dell’acquisizione fisica di diverse tecniche e scuole di pensiero: Graham, Cunningham, Limón, Horton, Release o approcci ibridi
• warm-up appropriato, pertinente e sicuro
• floor-based work
• center work
• across-the-floor / travelling combinations
• lavoro intuitivo basato sulla release
• adage, turns, jumps, falls, contact work
• improvisation ispirata da uno stimolo
• esplorazione di temi e intenzioni
• gestures, terminology, new line, core approaches
• esecuzione di combinazioni di danza contemporanea
• apprendimento di repertorio noto
• panoramica del contemporary dance-making: come si realizza e chi lo realizza
• esplorazione del ruolo della performance nella danza contemporanea
• come la creatività diventa intrinseca quando si danza
• musicalità, artistry e comunicazione intenzionale applicate al genere

LEARNING OUTCOMES

• applicare principi tecnici della danza contemporanea in combinazioni, frasi di movimento e repertorio;
• utilizzare improvvisazione, dinamica e intenzione per sviluppare una presenza performativa consapevole;
• distinguere approcci, estetiche e modalità operative di differenti tecniche contemporary;
• integrare ricerca corporea e riflessione sul processo nella costruzione del proprio linguaggio interpretativo.

Unit: DN120

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Il modulo introduce gli studenti ai codici stilistici e alle esigenze operative proprie della danza commerciale contemporanea, ambito in cui versatilità, precisione e rapidità di adattamento risultano competenze decisive. L’insegnamento favorisce l’acquisizione dei vocabolari della commercial dance, approfondendo le qualità fisiche e stilistiche necessarie per affrontare sequenze coreografiche destinate a produzioni dal vivo e multimediali. Attraverso la pratica di diversi stili e l’allenamento all’apprendimento rapido, gli studenti consolideranno una presenza scenica autorevole, allineata agli standard d’eccellenza e alle aspettative dell’industria dell’intrattenimento.

ESSENTIAL CONTENT

• Commercial dance: core strengthening, placement e alignment, fisicità, uso di tecniche jazz e di altre tecniche nella commercial dance
• vocabolario del movimento: isolations, contractions, coordination
• stili della commercial dance: hip-hop, popping, locking, breakdancing, b-boy, vogue, krumping
• tecnica: ripetizione, interpretazione dell’istruzione, abilità visive, pratica mentale, costruzione della base tecnica
• Jazz dance: warm-up e cool-down sicuri, alignment, core e flessibilità, pliés e tendus, ports de bras jazz e adage, isolations, contractions, travelling steps, single turns, lavoro al corner, sequenze coreografiche
• Jazz: tecnica, musicalità e artistry
• Tap: passi a un suono, passi combinati a due suoni, shuffle, step heel, flap, pick-up, riffs, ball change, time steps, pullbacks, paddle wings, paddles, cramp rolls, waltz steps, basic progressive tap
• Tap: sviluppo di abilità visive e uditive, postura del genere, pratica mentale, costruzione della base tecnica
• discipline: produzioni registrate, pubblicità, social media, contesti live e mediali legati al commerciale
• processo di casting e richieste dell’industria in relazione ai generi commerciali

LEARNING OUTCOMES

• eseguire sequenze di commercial dance con precisione ritmica, nitidezza stilistica e adattabilità performativa;
• dimostrare conoscenze di base dei vocabolari jazz e tap come supporto alla versatilità richiesta dall’industria;
• apprendere e rielaborare rapidamente materiale coreografico in risposta a consegne professionali simulate;
• comprendere le aspettative produttive e i codici performativi dei contesti commerciali live e registrati.

Unit: DN121

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questo insegnamento promuove la comprensione del corpo come fulcro della pratica professionale, integrando l’attività coreutica con i principi fondamentali di anatomia, fisiologia e benessere. Il modulo fornisce competenze applicate alla prevenzione degli infortuni e al mantenimento dell’efficienza fisica, offrendo strumenti per una gestione consapevole dei carichi di lavoro imposti dall’allenamento e dalla performance. Attraverso l’approfondimento di temi quali la salute fisica, il training complementare, la nutrizione, l’idratazione e il recupero funzionale, lo studente sviluppa l’autonomia necessaria per garantire la cura del proprio corpo e la sostenibilità a lungo termine della propria carriera artistica.

ESSENTIAL CONTENT

• salute, sicurezza e benessere
• workspace: studio e theatre
• benessere fisico per ballerini
• anatomia e fisiologia
• training complementare
• nutrizione e idratazione
• comprensione e gestione degli infortuni
• mantenere l’idoneità allo scopo
• lavoro di rafforzamento del core e flessibilità come supporto alla pratica tecnica
• capacità di determinare le competenze fisiche appropriate per ruoli e lavori differenti

LEARNING OUTCOMES

• descrivere i principali principi anatomici e fisiologici rilevanti per la pratica della danza;
• applicare conoscenze sul funzionamento corporeo alla prevenzione degli infortuni e alla qualità del movimento;
• valutare bisogni fisici, carichi di lavoro e strategie di recupero in relazione ai diversi stili di danza;
• adottare pratiche informate di self-management fisico a sostegno della continuità performativa.

Unit: DN122

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Il modulo sostiene la preparazione fisica del danzatore attraverso l’integrazione di pratiche complementari volte a ottimizzare stabilità, forza, mobilità, resistenza e controllo posturale. L’insegnamento fornisce allo studente gli strumenti metodologici per supportare il rigore tecnico quotidiano, favorire il recupero funzionale e strutturare una routine di allenamento coerente con le sollecitazioni della performance. Attraverso sessioni mirate di conditioning e lavoro sul core, il percorso approfondisce il legame imprescindibile tra preparazione atletica, prevenzione degli infortuni e continuità della pratica artistica, promuovendo un approccio consapevole alla longevità professionale.

ESSENTIAL CONTENT

• lavoro di rafforzamento del core
• flessibilità
• training complementare
• benessere fisico per ballerini
• anatomia e fisiologia applicate al lavoro corporeo
• nutrizione e idratazione come supporto alla performance
• comprensione e gestione degli infortuni
• mantenere l’idoneità allo scopo
• workspace e sicurezza del lavoro fisico
• resilienza e self-reflection in relazione al mantenimento della pratica
• sviluppo di abilità funzionali per occupabilità futura e per ruoli differenti

LEARNING OUTCOMES

• eseguire programmi di conditioning e lavoro posturale funzionali alle esigenze della danza;
• migliorare forza, controllo, mobilità e resistenza a supporto della pratica tecnica e performativa;
• applicare principi di prevenzione, recupero e self-management fisico nella routine di studio;
• monitorare la propria condizione corporea per sostenere continuità, sicurezza ed efficienza del lavoro danzato.

Unit: DN123

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questa materia avvia una riflessione critica sul valore formativo della danza e sulle metodologie attraverso cui il sapere tecnico-artistico viene trasmesso nei contesti educativi. Il modulo introduce lo studente al settore education, approfondendo il ruolo del docente e le dinamiche di osservazione, guida, feedback e supporto all’apprendimento. Attraverso l’analisi e il confronto diretto con le pratiche didattiche, lo studente acquisisce gli strumenti per comprendere la strutturazione di un intervento formativo, riconoscendo nella dimensione pedagogica una componente essenziale e integrante della professionalità coreutica contemporanea.

ESSENTIAL CONTENT

• lavoro nell’education: tutor, masterclasses
• ruoli e relazioni all’interno di una produzione e in contesti educativi
• livelli di collaborazione e contributo richiesti
• tipologie e finalità del feedback
• ricezione, elaborazione e applicazione del feedback
• pratica riflessiva e self-reflection
• comunicazione con pubblici diversi
• pubblici e contesti comunicativi
• presentation skills e comunicazione efficace delle idee
• tutela di pubblici vulnerabili, accessibilità, uguaglianza, diversità e inclusione
• ambiente di lavoro sicuro: discriminazione, bullismo, molestie, EDI
• mental wellness e resilienza nei percorsi formativi e professionali

LEARNING OUTCOMES

• analizzare i principi fondamentali dell’insegnamento e dell’apprendimento applicati alla danza;
• utilizzare osservazione e feedback in modo costruttivo a supporto del miglioramento tecnico e artistico;
• adattare linguaggio, consegne e modalità relazionali a differenti contesti educativi e gruppi di allievi;
• promuovere pratiche didattiche inclusive, sicure e coerenti con l’etica professionale del settore.

Unit: DN124

Tipologia:

Ore totali (GLH):

La materia sviluppa la musicalità come competenza strutturale della formazione del danzatore, promuovendo una comprensione analitica del rapporto tra suono, tempo, dinamica e movimento. L’insegnamento fornisce gli strumenti per decodificare il fraseggio, gli accenti, le sincopi e la struttura musicale, al fine di elevare la consapevolezza e la raffinatezza della qualità performativa. Attraverso esercizi applicati ai diversi generi, lo studente affina il conteggio ritmico, le capacità di ascolto e la traduzione gestuale dello stimolo sonoro, consolidando il legame imprescindibile tra precisione tecnica e interpretazione artistica.

ESSENTIAL CONTENT

• integrazione di musicalità e artistry in tutti i generi
  considerazione del fraseggio del materiale coreografico e musicale
• interpretazione di differenti tipologie musicali
• conteggio ritmico, dinamiche, offbeats e sincopazione
• musicalità in Jazz
• musicalità in Ballet
• musicalità implicata nei generi contemporary, commercial e tap
  light and shade, musicalità e tone nel tap
• comunicazione intenzionale nella performance attraverso relazione tra musica e movimento

LEARNING OUTCOMES

• riconoscere e applicare elementi di ritmo, fraseggio e dinamica musicale alla pratica della danza;
• tradurre strutture musicali differenti in scelte esecutive consapevoli nei vari generi coreutici;
• utilizzare conteggio, accenti e sincopazione per migliorare precisione, timing e qualità interpretativa;
• integrare musicalità e presenza scenica nella costruzione della performance;
• comunicazione intenzionale nella performance.

Unit: DN125

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questo insegnamento è incentrato sul processo creativo e sulla traduzione metodologica delle idee in materiali performativi strutturati, fornendo allo studente un quadro operativo per ideare, sviluppare e rielaborare proposte coreografiche. Il modulo valorizza la sperimentazione e la collaborazione interdisciplinare, guidando lo studente nell’analisi dei brief, dei vincoli produttivi e delle scelte compositive strategiche. Attraverso processi iterativi e una costante attività di documentazione, il percorso permette di far convergere la ricerca teorica e l’intenzione artistica in una forma compiuta, orientata alla relazione consapevole con il pubblico e alla coerenza progettuale.

ESSENTIAL CONTENT

• generazione e sviluppo delle idee
• processo creativo
• comprendere il proprio ruolo e quello degli altri all’interno di una produzione
• obiettivi e finalità, collaborazione, committenza e aspettative
• vincoli: tempistica, budget, contesto, regolamentazioni
• pianificazione e pre-produzione: diritti relativi alla performance e alla musica, spazio performativo, salute e sicurezza, spazio prove, pianificazione di studio e prove tecniche, casting, marketing
• ricerca come supporto al processo creativo
• pratica riflessiva: affinamento delle idee, intenzioni creative, strategia estetica, sviluppo e progresso, realizzazione dello scopo e della funzione
• confronti con il mercato, EDI e sostenibilità nel progetto creativo
• panoramica del contemporary dance-making
• caratteristiche degli esiti: mood, stile, atmosfera, messaggio, impatto, timing, convenzioni dell’industria, relazione con la cultura più ampia, relation al brief, esperienza del pubblico, importanza del pubblico

LEARNING OUTCOMES

• generare, selezionare e sviluppare idee coreografiche attraverso processi iterativi di sperimentazione;
• tradurre un brief o un’intenzione artistica in una proposta performativa coerente con vincoli e obiettivi dati;
• integrare ricerca, riflessione e feedback nel raffinamento del materiale coreografico;
• presentare un esito creativo consapevole del contesto produttivo, del pubblico e delle convenzioni di settore.

Unit: DN126

Tipologia:

Ore totali (GLH):

L’insegnamento connette il percorso accademico alla dimensione operativa del settore, promuovendo un apprendimento basato sul confronto diretto con ambienti, pratiche e standard professionali, sia reali sia simulati. Il modulo offre allo studente l’opportunità di analizzare i diversi contesti occupazionali, osservare le dinamiche organizzative e riflettere sulle competenze trasversali necessarie per l’accesso al mercato del lavoro. Attraverso attività di osservazione, work shadowing, simulazioni e rielaborazione critica dell’esperienza, il percorso guida lo studente nella definizione del proprio posizionamento professionale, favorendo una transizione consapevole e strategica verso la carriera lavorativa.

ESSENTIAL CONTENT

• ricerca di ruoli, lavori e contratti adeguati
• comprendere il proprio ruolo e quello degli altri in una produzione
• tipologia di committenza e aspettative
• processo di casting
• work shadowing o collocamento
• accesso al lavoro: audizione, portfolio, agenzie, networking
  contesti della workforce: theatre, touring, cruises, TV/film, education
• comportamenti professionali nel luogo di lavoro
• time management e gestione personale
• financial management di base per l’occupabilità
• feedback e riflessione in relazione alla crescita personale
• mantenere l’idoneità allo scopo e sviluppo professionale continuo
• comunicazione in contesti professionali: backstage, audizioni, FOH, agenzie di casting, funding contexts

LEARNING OUTCOMES

• operare in contesti professionali simulati o osservati con atteggiamento responsabile e consapevolezza dei ruoli;
• collegare competenze tecniche, relazionali e organizzative alle richieste concrete dell’industria della danza;
• valutare la propria preparazione professionale in relazione a specifici contesti occupazionali;
• rielaborare criticamente esperienze di apprendimento sul campo per definire obiettivi di sviluppo futuri.

Unit: DN236

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questo insegnamento approfondisce la lettura storica, critica e culturale della danza, con particolare attenzione ai modi in cui il lavoro coreutico si colloca in un preciso quadro sociale, politico e mediale. Il modulo offre strumenti per comprendere i processi creativi degli altri in contesto, le intenzioni artistiche che attraversano epoche e linguaggi differenti e la relazione tra opera, società e ricezione. Gli studenti analizzeranno teorie narrative, sociali, politiche, psicologiche e identitarie, applicandole sia allo studio di pratiche storiche e contemporanee sia alla contestualizzazione critica del proprio lavoro.

ESSENTIAL CONTENT

• conoscenza contestuale
• l’approccio creativo degli altri in contesto
• metodi e processi di creazione
• intenzioni di lavoro in uno specifico momento storico
• ruolo del professionista
• influenze esterne sul lavoro e influenze del lavoro sulla società
• connessioni e relazioni contestuali
• reazioni di differenti audience groups
• ciò che il lavoro comunica sulla società in un dato momento storico
• concetti culturali e critici
• teorie narrative
• teorie politiche e sociali
• teorie psicologiche
• genere e identità
• teorie della comunicazione tecnologica
• contestualizzazione critica del proprio lavoro
• ricezione da parte di pubblici differenti
• relazione del lavoro con la pratica corrente e storica
• impatti potenziali del lavoro su contesti più ampi
• sviluppi tecnologici, VR/AR, AI

LEARNING OUTCOMES

• analizzare il lavoro coreutico alla luce di riferimenti storici, culturali e critici pertinenti;
• mettere in relazione opere, processi creativi e contesti sociali, politici e identitari;
• valutare il modo in cui differenti pubblici interpretano e ricevono la danza;
• collocare criticamente il proprio lavoro all’interno della pratica storica e contemporanea.

Unit: DN237

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Il modulo sostiene la definizione di un profilo professionale avanzato, orientato all’ingresso nel settore o al consolidamento di una portfolio career. Gli studenti approfondiranno la struttura delle relazioni professionali nell’industria della danza, i processi di crescita di carriera, il networking, l’ottenimento di lavoro creativo e la gestione delle condizioni professionali, economiche e normative del lavoro. L’insegnamento intende sviluppare una visione realistica e strategica del percorso professionale, rafforzando capacità di autovalutazione, aggiornamento continuo e posizionamento nel mercato.

ESSENTIAL CONTENT

• pratica professionale
• lavorare con produttori, datori di lavoro, creativi, collaboratori, management e pubblici
• tipologie differenti di relazioni
• relazioni all’interno del progetto
• capacità degli stakeholder
• analisi degli stakeholder
• team: pratica collaborativa, ruoli e responsabilità, revisione della performance
• sviluppo di carriera
• sviluppo professionale continuo
• aggiornamento e sviluppo di nuove competenze
• valutazione critica: SWOT, 360°, peer review, autovalutazione, self-testing, raccolta di feedback
• formazione e certificazione professionale
• aspirazioni e opzioni di carriera
• mappatura delle competenze rispetto a ruoli professionali
• tendenze di carriera
• networking professionale
• reti professionali e sociali, meet-ups
• ottenimento di lavoro creativo
• personal brand, candidature, personal statements, CV, portfolio, rappresentanza, networking
• comprendere compensi e pagamenti
• royalties, repeat fees, straordinari, pensioni, tariffa di mercato, value-based pricing
• organismi professionali creativi
• membership, grants, residencies/internship, finanziamenti per la ricerca

LEARNING OUTCOMES

• elaborare un piano di sviluppo professionale coerente con specifici ruoli dell’industria della danza;
• valutare punti di forza, aree di miglioramento e opportunità di crescita attraverso strumenti di autovalutazione professionale;
• utilizzare materiali e strategie di networking per sostenere l’accesso al lavoro creativo;
• interpretare correttamente le dinamiche economiche e contrattuali che regolano l’attività professionale nel settore.

Unit: DN238

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questo insegnamento affronta la promozione del lavoro artistico e la costruzione di una relazione professionale con mercati e pubblici di riferimento. Il modulo offre agli studenti strumenti per differenziare la propria proposta, definire target primari e secondari, utilizzare media di supporto e canali digitali, e progettare una comunicazione coerente con l’identità artistica e con le finalità del lavoro. Particolare attenzione sarà dedicata all’engagement del pubblico, alla coerenza del brand e all’uso strategico dei social media come spazio di promozione, distribuzione e follow-up.

ESSENTIAL CONTENT

• dance economies: globalizzazione, distribuzione, social media, profilo
• commercializzazione e monetizzazione
• impatto delle tecnologie: download, streaming, algoritmi
• contestualizzazione critica del proprio lavoro: USP
• etica della comunicazione
• applicazione di tecniche di comunicazione
• considerazione del contesto
• coerenza e coesione
• relazione con l’identità esistente
• intenzioni personali e del committente
• finalità del lavoro
• vincoli e limitazioni
• engaging target markets and audiences
• differenziazione rispetto ai mercati esistenti
• portata: pubblici primari e secondari
• media di supporto: showreels, YouTube, Vimeo
• coerenza
• marketing
• canali social media
• networking
• comunicazioni di follow-up
• comunicazione per la progressione: presenza online, sito professionale, social media, portfolio online, modalità di distribuzione, aggiornamenti e blogging

LEARNING OUTCOMES

• progettare una strategia di marketing digitale coerente con il proprio profilo artistico e con il target di riferimento;
• sviluppare materiali e contenuti promozionali adatti a canali, contesti e pubblici different;
• analizzare mercati e audience groups per orientare in modo consapevole la diffusione del proprio lavoro;
• gestire la presenza online come strumento di identità, engagement e progressione professionale.

Unit: DN239

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Il modulo approfondisce la metodologia del balletto classico, consolidando il livello tecnico raggiunto e sviluppando una maggiore consapevolezza nella trasmissione, nell’analisi e nell’applicazione del vocabolario accademico. L’insegnamento guida gli studenti nello studio strutturato della pratica alla sbarra e al centro, rafforzando precisione esecutiva, coordinazione, controllo, virtuosismo progressivo e qualità stilistica. Gli studenti affronteranno combinazioni più articolate e matureranno una comprensione più rigorosa delle logiche tecniche del balletto, in funzione sia della performance sia della lettura metodologica del lavoro.

ESSENTIAL CONTENT

• Ballet – alla sbarra
• pliés in tutte le posizioni con ports de bras, rises e balances
• tendus in tutte le posizioni, su gamba tesa e en fondu
• glissés, piqué, en cloche, combinazioni con tendus
• rond de jambes à terre ed en l’air
• battement fondu à terre ed en l’air
• adage alla sbarra
• grand battements e battements en cloche
• stretch classico sicuro
• Ballet – al centro
• pratica al centro
• ports de bras in posizioni aperte e chiuse
• adage con promenades e pivots
• pirouettes singole e doppie
• petit allegro
• allegro
• batterie
• grand allegro
• technique: ripetizione, interpretazione dell’istruzione, abilità visive, pratica mentale, integrazione delle abilità

LEARNING OUTCOMES

• eseguire il vocabolario del balletto di livello avanzato con correttezza metodologica e consapevolezza tecnica;
• analizzare e applicare principi di coordinazione, allineamento, dinamica e uso dello spazio nel lavoro classico;
• dimostrare progressione nel controllo di giri, allegro e qualità del movimento al centro;
• riflettere sulla logica tecnica del balletto come base per il perfezionamento performativo e metodologico.

Unit: DN240

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questo insegnamento sviluppa la pratica performativa contemporanea a partire da un consolidamento tecnico più maturo e da una maggiore consapevolezza del rapporto tra corpo, spazio, tempo, energia e intenzione. Gli studenti approfondiranno tecniche e approcci contemporanei, contact work, improvvisazione, repertorio e sviluppo del proprio stile personale, lavorando sulla qualità dell’esecuzione e sulla capacità di abitare la scena con versatilità ed eclettismo. Il modulo mette in dialogo tecnica, ricerca del movimento e costruzione della presenza performativa.

ESSENTIAL CONTENT

• contemporary: sviluppo dell’acquisizione tecnica
• principi di corpo, azione, spazio, tempo ed energia
• tecniche conosciute: Graham, Cunningham, Limón, Horton, Release
• contact e improvvisazione
• respiro e consapevolezza corporea
• versatilità ed eclettismo
• riscaldamento completo e pertinente
• esercizi complementari di mobilizzazione e potenziamento
• lavoro a terra
• contraction and release
• lavoro al centro
• trasferimento del peso, sospensione e slancio
• combinazioni in attraversamento
• lavoro intuitivo basato sulla release
• adage
• giri complessi
• salti
• fall and recovery
• lavoro di contact
• improvvisazione da stimulus o da sequenza
• esplorazione di temi e intenzioni
• gesti, terminologia, nuova linea, approcci fondamentali
• esecuzione e sviluppo di sequenze complesse
• apprendimento di repertorio noto
• panoramica sulla creazione nella danza contemporanea
• ruolo della performance nella danza contemporanea
• sviluppo dello stile personale e della performance

LEARNING OUTCOMES

• applicare in modo maturo principi tecnici contemporary in repertorio, improvvisazione e performance;
• integrare consapevolezza corporea, dinamica e intenzione nella costruzione della presenza scenica;
• sviluppare versatilità interpretativa attraverso l’esplorazione di approcci contemporanei differenti;
• elaborare una pratica performativa personale fondata su ricerca, tecnica e riflessione.

Unit: DN241

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Il modulo è dedicato alle competenze richieste dalla commercial dance nei contesti professionali contemporanei, con particolare attenzione alla versatilità stilistica, al lavoro in ensemble, alla capacità di adattarsi rapidamente a consegne produttive e alla tenuta performativa in contesti live e mediali. Gli studenti lavoreranno su differenti stili street e commerciali, su vocabolari specifici del genere e sulle modalità operative richieste da prove, casting, set e produzioni. Il percorso integra abilità tecniche e consapevolezza dell’ambiente professionale di riferimento.

ESSENTIAL CONTENT

• commercial dance: ulteriore sviluppo dell’acquisizione tecnica
• eseguire differenti stili in differenti contesti
• lavoro da solista e lavoro di gruppo
• adeguato e sicuro riscaldamento aerobico
• lavoro di potenziamento
• tecnica con corretto posizionamento e allineamento
• sviluppo di abilità per potenziare le isolazioni
• esecuzione di tecniche jazz e altre tecniche all’interno della commercial dance
• lavorare come solista e come parte di una crew
• tricking
• improvvisazione
• stretching
• vocabolario per warm-up e cool-down sicuri
• vocabolario di movimento del commercial dance
• passi e combinazioni propri dello stile
• sviluppo di stili conosciuti ed esplorazione di stili aggiuntivi: breakdance, commercial, downrock, electric boogaloo, funk, hip-hop, house, krumping, litefeet, locking, popping, robotics, street, ticking, uprock, voguing, waacking, wavin
• technique: ripetizione, interpretazione, abilità visive, pratica mentale, coordinazione, equilibrio, controllo, dinamiche appropriate allo stile

LEARNING OUTCOMES

• eseguire combinazioni di commercial dance con prontezza, precisione stilistica e adattabilità performativa;
• applicare competenze tecniche e collaborative in contesti di lavoro individuale e di crew;
• distinguere e utilizzare vocabolari e qualità dinamiche propri dei principali stili commerciali;
• rispondere in modo professionale a richieste coreografiche tipiche dell’industria commerciale.

Unit: DN242

Tipologia:

Ore totali (GLH):

L’insegnamento approfondisce la tecnica tap a un livello più complesso, ampliando il vocabolario, la capacità di rispondere a ritmi articolati e la padronanza di chiarezza sonora, dinamica e timing. Il modulo sviluppa una relazione più raffinata tra suono e movimento, allenando precisione del footwork, ascolto, cross-phrasing e gestione di combinazioni non viste in precedenza. Gli studenti consolideranno la musicalità come parte integrante dell’identità performativa del danzatore di tap.

ESSENTIAL CONTENT

• Tap: ulteriore sviluppo dell’acquisizione tecnica
• esecuzione di combinazioni più complesse
• risposta sicura a combinazioni non viste e ritmi complessi
• chiarezza del suono
• accuratezza del lavoro dei piedi
• dinamiche, luce e ombra
• inclusion del tacit e del cross-phrasing
• vocabolario aggiuntivo: single, double e triple pick-up time steps, free time steps, half-breaks, 3-beat shuffles, scuffles, wing time steps, consecutive pullbacks, wings, close work, paddles, paddle breaks, passi in rotazione, cramp rolls, riffs, shuffle pick-up changes in travelling backward, Maxie Ford, Suzie Q, Buffalos
• technique: ripetizione, interpretazione, abilità visive, abilità uditive, postura del genere, pratica mentale, integrazione delle abilità
• musicalità trasversale: fraseggio, accenti, dinamiche, sincopi

LEARNING OUTCOMES

• eseguire vocabolario tap avanzato con chiarezza sonora, precisione ritmica e controllo del footwork;
• interpretare ritmi complessi, tacit e cross-phrasing in sequenze coreografiche e improvvisative;
• integrare ascolto, dinamica e musicalità nella costruzione della performance tap;
• rispondere con sicurezza tecnica e musicale a materiale non precedentemente studiato.

Unit: DN243

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Il modulo sviluppa la pratica performativa del jazz a un livello più evoluto, mettendo al centro controllo tecnico, dinamica, virtuosismo e presenza scenica. Gli studenti affronteranno un lavoro approfondito su flessibilità, articolazione, isolazioni, kicks, turns, salti e sequenze coreografiche, consolidando una solida base tecnica e una più compiuta capacità di interpretazione stilistica. L’insegnamento mira a coniugare precisione, energia e flair artistico, in linea con le richieste della performance jazz contemporanea.

ESSENTIAL CONTENT

• Jazz: tecnica jazz e vocabolario
• riscaldamento sicuro e defaticamento
• posizionamento e allineamento accurati
• lavoro di flessibilità: anche, gambe, colonna, busto, piedi, articolazione, forza, mezza punta
• ports de bras e adage nel jazz
• développés a piede piatto, in fondu e in relevé
• ronds de jambe grand e demi-grand
• tilts
• flessioni in affondo, in seconda e secondo richieste coreografiche
• linee delle braccia e articolazione
• isolazioni di testa, collo, spalle, braccia, gabbia toracica, bacino
• contrazioni
• kicks al centro e dalla diagonale
• passi in spostamento con baricentro basso
• giri: almeno due giri puliti per lato, sequenze di giri, turns in second, giri nello spazio
• salti e balzi: stag leaps, jetés, salti laterali, switch leaps, tilt jumps
• virtuosismo: illusions, calypsos, turns in second
• lavoro in diagonale integrato
• sequenze coreografiche
• technique: ripetizione, interpretazione delle consegne, abilità visive, pratica mentale, integrazione delle abilità
• musicalità e artisticità trasversali

LEARNING OUTCOMES

• eseguire con controllo e precisione il vocabolario jazz di livello avanzato in sequenze performative complesse;
• applicare musicalità, dinamica e stile alla costruzione di una performance jazz credibile e raffinata;
• dimostrare progressione tecnica in giri, salti, kicks, isolazioni e lavoro in diagonale;
• integrare virtuosismo e qualità interpretativa all’interno del fraseggio coreografico jazz.

Unit: DN244

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questo laboratorio è dedicato allo sviluppo del pensiero coreografico e alla costruzione di progetti creativi a partire da ricerca, analisi e risposta a brief professionali. Gli studenti saranno guidati nell’interpretazione dell’intenzione artistica, nella definizione di obiettivi, nella selezione di stimoli, nella sperimentazione di dispositivi compositivi e nel raffinamento delle idee attraverso processi iterativi di problem-solving. Il modulo valorizza la capacità di passare dalla creazione all’applicazione, mantenendo attenzione a originalità, fattibilità, lavoro di gruppo, sicurezza e appropriatezza del linguaggio di genere.

ESSENTIAL CONTENT

• generazione e sviluppo delle idee
• risposta a un brief creativo / direzione / ruolo
• comprendere i requisiti del regista o coreografo
• obiettivi artistici
• interpretazione dell’intenzione artistica
• sviluppare competenze artistiche e tecniche per soddisfare le aspettative
• lavorare verso obiettivi condivisi
• consultazione e confronto con dance captains, figure creative e team
• considerazioni professionali: obblighi, ruoli e responsabilità, vincoli legali ed etici, fattibilità
• sviluppo delle idee — dalla creazione all’applicazione
• analisi di professionisti rilevanti per il genere
• originalità, espressione unica e voce dell’artista
• consapevolezza stilistica
• vocabolario della danza, dispositivi compositivi, motivi, ripetizione, manipolazione
• prassi di lavoro sicure
• salute, sicurezza e benessere
• direzione degli altri sensibile e appropriata
• uso di un linguaggio pertinente al genere
• lavorare a partire da brief
• intento
• stimolo
• ricerca: obiettivi, ricerca professionale, primaria e secondaria, raccolta dati
• problem-solving: GROW, 5W and how, pensiero problema-soluzione, analisi mezzo/fine

LEARNING OUTCOMES

• sviluppare idee coreografiche originali a partire da brief, stimoli e ricerca contestuale;
• applicare dispositivi compositivi e strategie di problem-solving alla costruzione del materiale coreografico;
• guidare o partecipare al processo creativo con consapevolezza di ruoli, responsabilità e fattibilità del progetto;
• tradurre intenzioni artistiche in proposte performative coerenti con stile, contesto e obiettivi condivisi.

Unit: DN245

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questo insegnamento collega il consolidamento tecnico del balletto alla pratica del repertorio e alla maturazione della presenza scenica. Il modulo offre agli studenti l’opportunità di applicare il vocabolario classico a materiali coreografici e repertoriali più strutturati, mettendo in relazione esecuzione, stile, personaggio e qualità interpretativa. Il lavoro in studio favorisce il passaggio dalla tecnica all’uso performativo consapevole del linguaggio accademico.

ESSENTIAL CONTENT

• integrazione, utilizzo e padronanza della musicalità e artisticità in tutti i generi
• musicalità: fraseggio, interpretazione di generi musicali, conteggio, dinamiche, offbeats, sincopi
• artisticità: interpretazione della performance, applicazione dello style appropriato, energia coinvolgente, sviluppo di personaggi appropriati
• ballet: applicazione del lavoro tecnico alla performance
• repertorio come spazio di utilizzo del vocabolario classico, qualità stilistica e definizione del personaggio
• uso delle competenze tecniche del balletto in obiettivi professionali e performativi

LEARNING OUTCOMES

• applicare competenze tecniche classiche a estratti di repertorio con precisione stilistica e presenza scenica;
• integrare musicalità, dinamica e qualità interpretativa nell’esecuzione del repertorio di balletto;
• sviluppare consapevolezza del personaggio e della funzione drammaturgica del movimento classico;
• raffinare la qualità performativa del lavoro accademico in relazione alle convenzioni del repertorio.

Unit: DN246

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Il modulo è finalizzato al perfezionamento della performance attraverso l’analisi del feedback, la revisione degli obiettivi e il miglioramento integrato delle competenze tecniche e artistiche. L’insegnamento accompagna gli studenti nel riconoscere il proprio stile di apprendimento, nell’applicare in modo critico correzioni e indicazioni e nel monitorare il proprio sviluppo all’interno di prove, revisioni e contesti performativi. Il coaching viene inteso come spazio di consolidamento professionale, orientato alla precisione, alla resilienza e alla progressione individuale.

ESSENTIAL CONTENT

• interpretare il feedback per migliorare le competenze tecniche e artistiche
• analisi critica del feedback
• applicazione del feedback a tutte le fasi
• esplorazione: correzioni, specchi, registrazioni
• analisi critica del feedback immediato
• team: revisione della performance, obiettivi individuali e di squadra
• riflessione critica
• riflessione continua
• modelli di riflessione: Gibbs, Kolb, Schön, Brookfield
• affinamento di idee
• obiettivi di sviluppo personale
• intenzioni creative
• strategia estetica
• sviluppo e progresso
• soddisfazione dello scopo e della funzione
• esecuzione tecnica ed esecuzione artistica
• confronti con il mercato
• goal setting
• obiettivi di carriera a breve e lungo termine
• equilibrio vita/lavoro e sostenibilità personale

LEARNING OUTCOMES

• analizzare e applicare feedback tecnici e artistici per migliorare la qualità della performance;
• monitorare il proprio sviluppo attraverso pratiche di riflessione, registrazione e revisione degli obiettivi;
• raffinare presenza scenica, precisione esecutiva e consapevolezza interpretativa in contesti performativi differenti;
• utilizzare strumenti di coaching per sostenere progressione personale e standard professionali elevati.

Unit: DN247

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Questo insegnamento approfondisce la comprensione del movimento danzato dal punto di vista funzionale, collegando aspetti anatomici, biomeccanici e di sicurezza alla pratica tecnica e performativa del secondo anno. Il modulo aiuta gli studenti a leggere in modo più consapevole le richieste fisiche poste dai diversi generi, a interpretare bisogni di mobilizzazione, potenziamento e recupero e a valutare la relazione tra struttura corporea, efficienza del gesto e sostenibilità della performance.

ESSENTIAL CONTENT

• salute, sicurezza e benessere
• prassi di lavoro sicure
• esercizi complementari di mobilizzazione e potenziamento
• riscaldamento completo e pertinente
• sviluppo della tecnica con corretto posizionamento e allineamento
• lavoro di potenziamento
• stretching
• idoneità allo scopo e sostenibilità personale
• analisi della situazione e analisi del rischio nel processo creativo e performativo
• analisi dei requisiti in termini di risorse fisiche e umane
• legislazione in materia di salute e sicurezza

LEARNING OUTCOMES

• applicare principi anatomici e funzionali alla lettura e all’ottimizzazione del movimento danzato;
• riconoscere esigenze di mobilizzazione, potenziamento e recupero in relazione ai diversi generi;
• valutare fattori di rischio e adottare pratiche di lavoro fisico sicure ed efficienti;
• utilizzare la conoscenza del corpo per sostenere qualità tecnica, prevenzione e continuità performativa.

Unit: DN122

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Il modulo sostiene la preparazione fisica del danzatore attraverso l’integrazione di pratiche complementari volte a ottimizzare stabilità, forza, mobilità, resistenza e controllo posturale. L’insegnamento fornisce allo studente gli strumenti metodologici per supportare il rigore tecnico quotidiano, favorire il recupero funzionale e strutturare una routine di allenamento coerente con le sollecitazioni della performance. Attraverso sessioni mirate di conditioning e lavoro sul core, il percorso approfondisce il legame imprescindibile tra preparazione atletica, prevenzione degli infortuni e continuità della pratica artistica, promuovendo un approccio consapevole alla longevità professionale.

ESSENTIAL CONTENT

• lavoro di rafforzamento del core
• flessibilità
• training complementare
• benessere fisico per ballerini
• anatomia e fisiologia applicate al lavoro corporeo
• nutrizione e idratazione come supporto alla performance
• comprensione e gestione degli infortuni
• mantenere l’idoneità allo scopo
• workspace e sicurezza del lavoro fisico
• resilienza e self-reflection in relazione al mantenimento della pratica
• sviluppo di abilità funzionali per occupabilità futura e per ruoli differenti

LEARNING OUTCOMES

• eseguire programmi di conditioning e lavoro posturale funzionali alle esigenze della danza;
• migliorare forza, controllo, mobilità e resistenza a supporto della pratica tecnica e performativa;
• applicare principi di prevenzione, recupero e self-management fisico nella routine di studio;
• monitorare la propria condizione corporea per sostenere continuità, sicurezza ed efficienza del lavoro danzato.

Unit:

Tipologia:

Ore totali (GLH):

L’ultimo anno porta la tecnica al massimo livello del percorso, integrando classico, contemporaneo e commerciale in un unico linguaggio personale. Il modulo sviluppa autonomia, pulizia e qualità del movimento, con un lavoro approfondito sull’improvvisazione come strumento creativo e performativo, in preparazione all’ingresso nel mondo professionale e alle audizioni.

ESSENTIAL CONTENT

• consolidamento tecnico tra classico, contemporaneo e commerciale
• improvvisazione strutturata come strumento creativo
• pulizia, linea e qualità del movimento
• versatilità e adattamento a linguaggi diversi
• preparazione fisica e mentale alle audizioni
• prevenzione degli infortuni e longevità tecnica

Unit:

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Studio approfondito di stili e repertori e della loro evoluzione storica, unito alla pratica della creazione coreografica. Lo studente sviluppa una voce autoriale, conduce un proprio processo di dance-making e affronta la drammaturgia del movimento, lo spazio e la musicalità di un’opera originale.

ESSENTIAL CONTENT

• approfondimento di stili, repertori e loro contesti storici
• sviluppo di un linguaggio coreografico personale
• strumenti compositivi e drammaturgia del movimento
• direzione dei danzatori e gestione del processo creativo
• uso dello spazio, del tempo e della musicalità
• documentazione del processo creativo

Unit:

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Modulo dedicato alla navigazione consapevole dell’industria della danza e alla costruzione di una portfolio career sostenibile. Lo studente acquisisce strumenti concreti di pianificazione, gestione e promozione della propria attività professionale.

ESSENTIAL CONTENT

• modelli di portfolio career nel settore della danza
• pianificazione e definizione degli obiettivi professionali
• gestione economica di base e fondamenti fiscali del freelance
• contratti, diritti e tutele del lavoratore dello spettacolo
• personal brand, showreel e presenza online professionale
• networking e relazione con agenzie, casting e committenti

Unit:

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Modulo conclusivo che eleva competenze e conoscenze maturate nel percorso in un portfolio finale di pratica e ricerca. Lo studente progetta e realizza un’indagine autonoma su un tema rilevante per la danza contemporanea, connettendo teoria e pratica in un contributo originale.

ESSENTIAL CONTENT

• definizione di una domanda e di obiettivi di ricerca
• revisione critica delle fonti e practice-as-research
• metodologia, etica della ricerca e citazione delle fonti
• realizzazione di un portfolio finale di pratica
• gestione dei tempi e del processo di lavoro
• presentazione e riflessione critica sui risultati

Unit:

Tipologia:

Ore totali (GLH):

Produzione performativa finale in cui lo studente porta in scena il livello tecnico e interpretativo raggiunto, all’interno di un progetto strutturato che simula le condizioni reali di una produzione professionale: dalla sala al palcoscenico, con responsabilità individuale all’interno dell’insieme.

ESSENTIAL CONTENT

• processo di produzione: dalla sala al palcoscenico
• interpretazione del repertorio e del materiale originale
• collaborazione con coreografi, registi e compagni di scena
• gestione delle prove e autonomia performativa
• presenza scenica, resistenza e costanza
• valutazione e riflessione critica sulla performance